ART TROPE AGENCY PRÉSENTE SES SIX ARTISTES !
Virginie Tison considère sa collaboration avec les Artistes de la galerie comme un mariage professionnel. Sa manière de collaborer et de former repose sur un management positif, fondé sur la bienveillance réciproque, l’entraide, la créativité et la rigueur. C’est ainsi que la création de l’Agence permet d’aller encore plus loin dans sa collaboration avec les Artistes.
C’est ainsi que nous sommes ravis de collaborer de manière plus étroite avec les six Artistes de l’Agence:
Antoine Buttafoghi – Artiste Photographe
© Art Trope Gallery
Distingué lors de concours internationaux, notamment deux fois finaliste du prestigieux concours Master Hasselblad en 2012 et 2018, Antoine Buttafoghi a exposé en France, au Luxembourg, au Japon, en Hongrie, au Royaume-Uni, en Inde, en Italie, en Russie et au Brésil. Professeur à l’université de Corse Pasquale Paoli, à l’École Européenne des Métiers de l’Internet à Paris et consultant, il enseigne l’image et les techniques liées à la photographie depuis plus de 20 ans. Il a régulièrement collaboré avec le magazine « Création Numérique » en qualité de journaliste spécialisé.
Les photographies d’Antoine Buttafoghi sont composées à la perfection autour de l’humain, connecté ou non avec son environnement, dans toute sa diversité. L’artiste joue d’une manière graphique sur les oppositions de couleurs. D’une extrême sobriété, ses photos mettent en scène un être humain « unique » qui semble comme perdu dans l’immensité du monde ; témoignage d’un consentement esthétique à l’attachement au terrestre, au passage du temps, à la singularité de l’Être au cœur du monde. L’artiste capte l’éphémère avec une maîtrise aboutie de l’harmonie, à la recherche d’un équilibre certain.
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Barbara Christol – Artiste Peintre
© Art Trope Gallery
Dès son plus jeune âge, Barbara Christol grandit dans les univers artistiques et se passionne pour le dessin. C’est ainsi que Barbara se forme aux Beaux-Arts de Nîmes et fréquente par la suite plusieurs ateliers de peintres afin de perfectionner ses techniques. L’Artiste Peintre comprend qu’elle doit approfondir ses connaissances en Histoire de l’Art et intègre la prestigieuse Université La Sorbonne à Paris en allant jusqu’au Doctorat afin de développer ses propres recherches plastiques et esthétiques. Le travail pictural de Barbara Christol se singularise au fil des années en développant une pratique plastique articulée autour de pelotes de laine. C’est ainsi que l’Artiste réalise des séries de tissages éphémères qu’elle expose dans des lieux institutionnels, dans la nature, dans des espaces privés. Le fil est toujours présent dans ses toiles, soit physiquement, soit par l’usage omniprésent du trait. Figuration et abstraction se croisent sur des thèmes de prédilection : l’espace et le jeu. Les figures géométriques empreintes de poésie se déplacent en paysages, en montagnes, en architectures, le tout sous-tendu par les traits de constructions qui agissent comme des fils dans les compositions. Les œuvres de Barbara Christol sont régulièrement exposées et font partie de collections privées en France et aux Etats-Unis.
Barbara Christol envisage la création comme un labyrinthe, dans lequel l’artiste avance à la croisée des chemins par tâtonnements, hasards et répétitions tout en maintenant son fil conducteur. Très attachée à l’aspect artisanal de son travail, L’Artiste Peintre vacille entre la figuration et l’abstraction. Le trait est omniprésent dans ses œuvres étant pour elle la passerelle entre les deux, le fil conducteur. Barbara utilise principalement des techniques classiques et traditionnelles qu’elle mixe et décline avec des techniques plus contemporaines. Barbara Christol tisse et détisse une œuvre dont les sujets s’entrecroisent indéfiniment dans des jeux de pleins, de vides et de déliés. L’Artiste Peintre propose des univers architecturés soulignant une perspective optimiste du monde, où la place de Barbara Christol et de son geste agissent comme révélateur.
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Hélène Hubert – Artiste Photographe
© Art Trope Gallery
Photographe auteure indépendante, Hélène Hubert a été formée à la photographie d’Art dans le Maine aux Etats-Unis au début des années 80 à l’Université d’Art de Boston. C’est ainsi que l’artiste découvre très tôt le Zone-System d’Ansel Adams qu’elle intègre dans sa démarche photographique et sa philosophie de travail. Dès 1998, la photographe s’équipe d’appareils numériques remplaçant ainsi le plan-film dans les chambres grand format argentique. Hélène Hubert positionne la photographie numérique tel un miroir de toutes les énergies qui circulent, au-delà de la vision humaine. Sa vocation pour la mise en lumière d’objets du quotidien s’est affirmée au fur et à mesure des années : silhouettes, ombres et allusions de présence suggèrent l’existence de mondes parallèles où la distorsion, l’onirisme et le double sens prévalent. C’est au cœur du travail d’Hélène Hubert que l’objet devient sujet, doué d’une vie autonome perméable aux regards. Libérée des contraintes de la reproduction du réel, la photographe est happée par la nécessité de fixer l’impermanence, dans tous lieux de passage ou moments de transitions, pour expérimenter et nous donner l’occasion d’apercevoir les multiples mondes parallèles que nous traversons. Ses œuvres font d’ores et déjà partie de collections d’art en Europe et aux Etats-Unis.
Le fil d’or du travail photographique d’Hélène Hubert est l’énergie qui anime les natures mortes. Elle capte la lumière et leurs empreintes, révélatrice de cette zone trouble entre l’objet, son reflet et ce qu’il peut représenter. L’artiste fouille tous les espaces où le réel illumine un secret qui n’apparaît peut-être pas au premier abord. C’est avant tout le champ vibratoire d’un objet et/ou d’une situation qui invite la photographe à déclencher son sens artistique de part une fulgurance lumineuse, une pulsion ou encore une émotion. C’est sur cette fréquence qu’Hélène Hubert s’accorde, dans son laboratoire, aujourd’hui au virtuel. Elle dépoussière son fichier photographique pour en découvrir l’infiniment petit ou ” l’un visible ” tel que le définit par le psychanalyste Jacques Lacan sur l’existence des trois registres du Réel, du Symbolique et de l’Imaginaire. Ses photographies traquent les manifestations fugaces de la réalité intérieure des sujets, s’attachant à les rendre perceptibles, tous reliés par une même matière : la vie.
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Bruno Palisson – Artiste Photographe
© Art Trope Gallery
C’est avec une boîte Goldy offerte par son père que Bruno Palisson a réalisé ses premières photographies à l’âge de 10 ans. Tout au long de son adolescence il s’affirme à travers ce médium, réalisant ses premières piges dès l’âge de 17 ans. Il débute trois ans plus tard une carrière professionnelle en tant que photographe d’architecture pour des agences et des magazines. En parallèle, il poursuit des études d’architecture et fonde en 1994, avec son confrère Jean-Luc Calligaro, l’agence d’architecture Atelier PO & PO à Paris. En 1997, il représente l’entreprise Polaroïd en France pour le cinquantenaire de la marque et en 1999, il co-réalise au sein d’un collectif d’Artistes une campagne artistique pour la marque de bonbons « Cachous Lajaunie ». Toujours en 1999, il participe au Festival d’Art sans Fin à Berne, ce travail sera présenté dans l’émission Tracks sur Arte. Les œuvres de Bruno Palisson, Photographe et Architecte, sont régulièrement exposées et font partie de Collections privées. Le travail de l’Artiste est notamment sélectionné par différents Festivals de la Photographie tels Les “Voies Off” des Rencontres Internationales d’Arles (2019), le “Festival les Focales du Pays d’Auge” d’Honfleur (2020), le Festival Surréaliste de Fréjus (2021), le Festival Présence(s) Photographie de Montélimar (2022) ; et sont publiées dans des magazines spécialisés, tels que L’Œil de la Photographie, Fisheye et Réponses Photo. Depuis 2021, Bruno Palisson est représenté par Art Trope Gallery et a exposé depuis à Arles Expositions pendant Les Rencontres de la photographie d’Arles, à la foire d’Art Contemporain ST-ART de Strasbourg ou encore à la foire d’Art Contemporain VOLTA à Bâle en Suisse.
Au-delà de la grande question de « l’origine de la vie » et de son mystère, la structuration naturelle, les matières, les formes et les couleurs de la nature sont la base de l’inspiration de Bruno Palisson. Les sujets s’imposent souvent au Photographe comme une évidence après une longue cohabitation, dévoilés par l’émotion, un ressenti, des sensations… C’est ainsi que ses photographies issues de ses voyages sont son histoire et ses pensées parfois rêvées. Ce sont des explorations, des avants, des pendants et des après. Ce sont aussi des doutes et des incertitudes, des moments et des chemins qu’il faut essayer, tenter, puisqu’on ne se trompe jamais mais on se révèle. Les œuvres correspondent à son véhicule pour transporter la mémoire de l’Artiste, elles sont en perpétuel mouvement. Bruno Palisson raconte une histoire photographiée qu’il entasse et superpose, en surimpression ou en transparence comme une vie qui se déroule, et s’empile avec intensité de ce mélange indicible du passé, du présent et du futur. Les photographies de Bruno Palisson ne sont pas des paysages nécessairement reconnaissables ou des objets clairement identifiables, mais des moments ou des pensées suggérées de parcourir et de partager. L’Artiste nous propose un voyage photographique de son imaginaire et de ses souvenirs, comme des instants en suspension.
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Evelyne Puech – Artiste Peintre
© Art Trope Gallery
Issue d’une famille d’artistes, c’est avec sa mère dès l’âge de six ans qu’Evelyne Puech s’exerce à la technique de la peinture sur verre inversé. C’est naturellement qu’elle s’engage dans la voie de l’école des Arts Décoratifs de Genève, puis elle obtient un diplôme de Maturité Artistique section Arts Visuels pour finir avec l’Université de Genève dans le domaine de la psychologie et de la psychothérapie à l’Institut IRAT de Lyon. Evelyne Puech est mue par le besoin de construire et d’exprimer un univers dans lequel est soulignée une forme de beauté et de poésie et de le partager. Ce choix de technique et de matériau a toujours été à la base de la recherche plastique et esthétique de l’artiste, en particulier pour des raisons de transparence, de superpositions et d’inversions. Les artistes de référence qui inspirent son univers artistique sont des figures de l’abstraction parfois lyrique, mystique ou figuratives telles que Chu Teh Chu, Zao Wu Ki, Zaoming Wu ou encore Turner, Brüggel et Bosh.
Evelyne Puech explore la peinture sur verre inversée. Cette technique a été largement utilisée pour les peintures sacrées depuis la Renaissance. De même, elle corrobore le contenu et le sens du travail de l’artiste peintre qui aime penser à l’envers, voir les choses de l’autre côté. Cela favorise la mobilité de son esprit. La démarche d’Evelyne Puech constitue à la fois un mouvement vers l’authenticité et une conscience de l’irréversible. La justesse du geste prime puisque ce qui est peint une fois ne peut plus être retouché. En laissant une empreinte, celle de la trace initiale, l’artiste s’est réapproprié personnellement cette technique avec un support contemporain en remplacement du verre en alternant des textures vaporeuses pour intensifier la matière. Evelyne Puech propose dans l’ensemble de son travail une connotation symbolique, un univers de transparences et de matières, un présent incluant un passé à travers des sujets que chaque personne peut traverser. Ses œuvres sont généralement composées de trois ou quatre plexiglas espacés afin d’apporter une troisième dimension, ce qui singularise très fortement son art.
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Florence Sartori – Artiste Sculptrice
© Art Trope Gallery
Florence Sartori entre très jeune dans le monde des Arts grâce à un environnement favorable à un parcours artistique. Formée au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, elle ne cessera de travailler avec des Artistes, musiciens, danseurs, comédiens, plasticiens. De la fusion de tous ces mondes artistiques centrés sur la Création viendra, ensuite, le désir de travailler la matière et de se forger un nouvel outil d’expression à travers la sculpture. Très inspirée par le corps dans la danse, Florence Sartori engage sa recherche et son travail autour de la dynamique du corps féminin en mouvement dans différents ateliers de sculpture avec, comme socle, l’observation des danseurs qu’elle a menée depuis toujours. Au travail de la Terre cuite s’ajoute celui de la matière en fusion, le Bronze. Florence Sartori cultive le concept de la pièce originale inhérente à la terre cuite, c’est pourquoi ses bronzes sont souvent des pièces uniques dans différents formats. Son travail est régulièrement exposé dans différentes galeries en France, en Italie et au Royaume-Uni.
Florence Sartori a placé la Femme au centre de son univers esthétique. Sa démarche résolument tournée vers la vie, suscite l’émotion grâce à des figures féminines intemporelles. Qu’elle soit femme épanouie, guerrière, fragile, ou affirmée, pour Florence Sartori, la Femme est à la fois singulière et plurielle. Elle accorde une place particulière à la cambrure, la tension, l’étirement et l’aisance du corps féminin qui peut prendre une forme équilibrée, symétrique, sensuelle et parfois géométrique. Elle cherche à valoriser la dynamique, l’énergie, la vitalité du corps en mouvement, et à en signifier la liberté, fixant sur le vif, comme un instantané, une attitude naturelle du mouvement pour en restituer la ligne. Cette ligne originelle est épurée et stylisée pour saisir l’essence du corps de la Femme dans ce qu’il révèle de plus universel : courbes et volupté, souplesse et sensualité, équilibre dans l’espace, tension du corps, geste suspendu, déhanché chaloupé ou arabesque aérienne. Ces femmes aux allures de vestales, pleinement féminines et libres, ne se dévoilent jamais vraiment. Simplement de patines vêtues, elles racontent une histoire de Femme.
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